アルベルト・ジャコメッティ―本質を見つめる芸術家

アンリ・カルティエ＝ブレッソンのDVDを見てから、アート系DVDにはまりつつある。

なかなか面白い。

今回、手に取ったのは「アルベルト・ジャコメッティ―本質を見つめる芸術家」。

シュルレアリスム運動参加していた時代には、「夢見る横たわる女(1929)」などキュビズムの影響を受けた作品を残し、往年は針金のように細長く引き伸ばされた人の彫刻で有名な芸術家である。

DVDでジャコメッティは、

「彫刻は美しいものではない　見えるものを少しでも理解しようとする手段なのだ

どんな頭部だって私をひきつけ驚嘆させる　彫刻はその理由を知る手段なのだ

また　絵画と言う手段は人や木や卓上のモノがなぜ私をこれほど惹きつけるか

驚嘆させるかを理解する手段だ」

と言っている。

常に本質を探究しようとするその姿勢が、創作活動の原点だったのだろう。

また、その焦点は"頭部"、特に"視線"に向けられていた。

「生きている唯一のものは人の視線だ　

　残りの頭の形はむしろ頭蓋骨にすぎない

　生者と死者の違いを成すのは視線なのだ」

と語りかける。

視線。。。"目力"という言葉が、少し前にはやりましたが"目は口ほどにモノを言う"というように、自分が自分であることを相手に伝えるには目が一番なのかもしれない。また常に変化しとらえどころがない存在としては、人の魂と同期するものなのかもしれない。

なんか目の観察が趣味になりそうなので、怪しい人に思われないように気をつけないといけない。

それと、ジャコメッティは本質を追及する人間として素敵な言葉を残している。

「成功と失敗は根底では同じだ　むしろ失敗が成功に不可欠だ

　失敗すれば失敗するほど何かが生まれてくるように思える

　私が進歩を感じるのは　肉付けしているナイフを　どう握っているのか

　もう分からなくなっている時だ　全く途方に暮れてしまい　

　でもなんとか続けることができると愚かになった時　それこそ進歩の好機なのだ」
無の境地に近い心境なのだろうか。瞬間を充実させるフロー理論に近い考えだろう。

夢中になったとき、人は想像以上の力を発揮し、その結果成長するのだと思う。

後、心に残ったことは、ジャコメッティは、よく創った作品を壊したという事実。
常に変わり続ける世界を対象にすると、どんな作品も満足できないためだそうです。

そうなると、すべての作品は完成していないし、作業に終わりがないのだろう。

本質に対する探求は、終わりなき旅ということか。。。私の探求のたびや如何にそんなことを考えさせられてしまった。

猫の印象派

近くの図書館で素敵な画集に出会った。

「猫の印象派」。スーザン ハーバート(Susan Herbert)の画集だ。

実は、私は大の猫好き。

昔は犬が好きだったのだが、、、ある日突然、家に猫が居座り、占拠されると、気づいたら猫好きに洗脳されていた。

「猫の印象派」は、猫好きの方であれば必ず好きになる画集だと思う。

名画の人物像を猫で置き換えて描かれたその絵は、もしも猫の世界が存在したらどうなっていたのか想像がかきたてる一冊。

素敵な本である。

私の一番のお気に入りは、ルノアール「日傘をさす女」を表現した作品。

またその他にも、インターネット上では"ロミオとジュリエット"シリーズの素敵な作品が存在している。

アンリ・カルティエ＝ブレッソン 瞬間の記憶

週末、何気なく手に取ったDVD。

それは「アンリ・カルティエ＝ブレッソン 瞬間の記憶」

去年、東京国立近代美術館以来の対面になる。（写真に納まる決定的瞬間）

内容は、あまり人前で語らないアンリと関係者が語るドキュメンタリー。

言葉少なげに、でもとても嬉しそうに写真を説明するアンリの表情が心に残る作品だ。

瞬間の記憶という副題からも分かると思うが、

映像の中でアンリは「写真は瞬間の芸術だ」と説明をする。

更に、実際に写真を取るときの瞬間について「その瞬間を選ぶ楽しさ　いいぞ　まだだ　よし　今だ！」と説明する姿から、過去から未来へ続く時間の流れを、どのタイミングで写真におさめるか、とても楽しんでいるのが伝わってきた。

また、写真の内容については、

「構図が正しければトリミングは必要ない 疑う視線とあとは表現のセンスだ 人はあれこれと考えた末―考えすぎてしまう」

「方針や法則などない　勘かな」と事もなげに説明。

アンリに、方針や法則が無いとは思わないが、最後は自分が持っている感性なのだろう。

写真を見て刺激を受けるのも感性なら、その瞬間をとらえて写真に収めるのも感性が必要だということだ。

そのためには、「疑う視線」がポイント。何気ない現実も「疑う視線」で見ると見えないものが目に入ってくる。

納得である。

ちなみに、ジャコメッティとドガの「疑う視線」について、アンリが高く評価していたので、彼らの絵画を色々と見てまわりたいと思う。

最後に、アンリがシュルレアリスムに影響を受けている時代に撮影した写真を一枚。

一度見たら、ストーリーが心に残る一枚である。

飽くなき探究心を持つマティス

ニースの美術館訪問、最後を飾るのはマティス美術館。

シミエの丘にあるその美術館は一見豪華な装飾が施された建物に思える。

しかし、近づいてみると窓の周りはだまし絵であることが分かる。

そんな美術館の中には、マティスがその生涯で探求した美術作品の数々展示されている。

コレクションは絵画、デッサン、彫刻とバラエティーに富、またその技法も年代を重ねるごとに移り変わる。

その様子から、マティスの思考回路を垣間見ることができとても面白い空間であった。

その中で、特に目を引いたのがグアッシュ切り絵の作品。

「青い裸婦Ⅳ」「萱の中の浴女」

"青と白のコントラスト"そして"切り絵としての2次元空間に対する立体感"により感じる人の存在感。

たぶん、マティスがたどり着いた美に対するひとつの独特な答えなのであろう。

ある対象から受けた感動を直接的に表現し伝えるためには、その感動を一旦自分の中に取り込み単純化、純粋化することが一つの答えなのかもしれない。

その時、目に映る外見的な世界ではなく、内面的、概念的な世界へ自分の審美眼を向ける必要があるのだろう。

マティスの作品に触れるとにより、複雑化する世界から本質や真実を抽出することの大変さと重要性を再認識させらると思う。

（ちなみに、仕事でも本質を捉えることが重要であることは変わらないだろう）

シャガールの「白い虹」

白い虹を見たことがあるのだろうか？

私は、ニースのシャガール美術館で出会うことができた。

「Noé et l’arc-en-ciel （ノアと虹）」

緑がかったキャンバスにそれははっきりと強く描かれていた。

意識が白い虹に集中する。

今まで見たどの虹より、虹らしく見えるのがなぜか分からずにたたずんでしまった。

色のグラデーションが綺麗で見とれていたはずの虹が、白であることの方が素敵だと思える。

そんな心の反応がなぜか心地よかった。

昔から虹は7色と思い込みがある。

でも、本当は白い虹を望んでいる自分がいたのだろう。

それが、一枚の絵を見ることにより隠れた思いが心の中から湧き出してきのだ。

だから心地いい気分になったのだと思う。

色を自在に操るシャガールはきっと、心の色を絵として表現するのが得意な人だったのだとつくづく思った。

ちなみに、検索で「白い虹」と調べると、実際の自然現象としての情報がたくさん出てきた。

もし、出会えたら自分はどう思うのか？今から待ちどうしい気分になった。

Jaume Plensa(ジャウメ・プレンサ)の衝撃

仕事でニースを訪れたタイミングでニース現代美術館を訪問。

Musée d'Art Moderne et d'Art Contemporain

ちょうど、Jaume Plensaの展示が開催されていたため、彼の作品に触れることができた。

その出会いは本当に衝撃だった。

魂が揺さぶられたのだ。その中で一番魂を揺さぶった作品が「Overflow 2007」。

文字、言葉がつなぎ合わされることにより、ひざを組んでたたずむ人の形になっている作品だ。

影も、文字としてその存在を誇示している。そんな作品である。

人間とは本質的に何なのか。そんな問いに向き合える作品だ。

人が発言した言葉の内容から、その人とはどんな人物なのか自分の頭の中に創り出す。

そう考えると、人は言葉により創り上げられた存在と理解できる。

言葉が全てではないが、言葉により形が与えられるものが存在する。

そんなことを気づかせてくれた作品だ。

もう一つ作品を紹介。

「Semen-Blood, 1999/Sex-Religion, 2005/Love-Hate, 2005/Saint-Sinner, 2005/Matter-Spirit, 2005Bronze, corde, bois, laine, Diametre : 130cm chacun et Self Portrait with Seas, 2006, marbre blanc fondu」

音を鳴らすまでがこの作品の特徴。

それぞれの円には文字が刻まれている。

それを叩く、音が部屋中に響き渡る。その瞬間その部屋が荘厳な空気に変わる。

この空間を共有しているのは、ひざを抱ええ座っている作品と私。

そして、その間には響き渡る音。まるで作品と交信している気になり、違う世界へ連れ出された気分になった。

それと、マセナ広場（place Masséna）には、2004年のアートプロジェクトで作られたJaume Plensaの作品が並んでいた。

それは、人々が集うその場所を彩とりどりに輝くことにより、景色に花を添えていた。

ニースを訪れたのは8年振りということもあり、この近代化された空間は新鮮に映った。ただ心には違和感はなく、素直に景色が入り込んできた。

つい最近読んだ、「犬と鬼　知られざる日本の肖像」（アレックス・カー著）で訴えている、文化とは、歴史とは、そして現代、近代化とは何か。日本が京都を代表にその本来の美しい姿を近代化という名の下に無残にも壊している現状と、このマセナ広場の現状は異なっている。

人間が過去の上に作り出した空間が今後、未来に対してどのようなメッセージを残していくのか。街づくりと現代美術の関係について持つ思想の大切さを思い知らされた。

これからの人生、Jaume Plensaの作品にもっともっと出会っていきたい。。

熊谷守一美術館

日経BP社が出版している「ほんものの日本人」を読んだとき、鮮烈なイメージで一人の画家が脳裏に刻み込まれた。
その名は、熊谷守一氏
※文章抜粋※
そうまでしてたどりついたのが、守一の場合は「結局は何も描かない。白いキャンバスが一番美しい」という境地だった。画家が絵を描かないとは、人が呼吸を止めてしまうというぐらいの、切実で滑稽な到達だ。それでも、白いキャンバスがあれば、やはり画家はそれを汚してしまう。それが人間の情けなさなのだ、と守一は言う。

あまりに強烈で、あまりに純粋で、あまりに正直なその考えに自分の脳で、心で感情が消化しきれない状態になってしまった。

そのため、豊島区にある熊谷守一美術館を訪問。
１,２階が展示室で3階がギャラリーになっている。
飾られているのは、油採、墨絵・書など。

全体的に物事をシンプルに、単純に捉えていこうと思われたのか、晩年の作品になるにつれ「線と面で色を平ぬりする画法」に移り変わっているのが面白い。
勝手な想像だが、自分の考えとは裏腹に心の安穏を捜し求めたのかもしれない。。。

心を落ち着かせる存在、そんな絵が並べられているよう見えた。
絵を見ると、落ち着いて自分自身を見直せる、そんな気がしてきたのかもしれない。

特に好きな作品は3つ
油採の2作品、「縁側」「雨滴」と、墨絵・書の1作品「唯我独尊」（残念ながら画像が見つからず） 。

「人生、どのように時間を紡ぐかは本人の自由である。
だからこそ、大切にしなければならない。」
美術館を離れるときそんな言葉が自然と頭に浮かんできた。

丁衍庸の鶴

友人の結婚式に出席するために訪れた香港。

空き時間にあまり触れたことのない中国の美術作品に出会うため、「香港藝術館（Hong Kong Museum of Art）」を訪問。

中国絵画、書画が数々展示されていたが、初めて真剣に向き合ったこともありなかなか心にとどまる作品が現れず、館内をうろうろ。。。

そんな中、足が止まったのが、
・丁衍庸 氏 の『鶴(1978)』

中国では昔から、白鶴は、神様の乗り物として仕える不死の生き物と信じられている。
その鶴が、とても身近に感じることができた『鶴』は、飾り気のない現実や親しみを感じることができた作品だった。

他にも彼の作品を触れてみたいのであれば、陳其寬 丁衍庸雙人展のサイトへ。

中西信洋氏のレイヤー・ドローイング

六本木ヒルズの森美術館で開催されている「六本木クロッシング2007：未来への脈動」展を訪問。

今見せるべき36作家を厳選して展示していることもあり、刺激ある作品が数多くとてもエンジョイできた。

特に脱帽したのは、中西信洋氏の「レイヤー・ドローイング」

展示内容は、六本木ヒルズの展望台から、一定の時間間隔で夜明けを撮影し、それらのフィルムを曲線を描きながら等間隔で並べ、重ねて見せる作品と、35ミリのポジフィルムに、透明な背景で時間をずらして写し取った針金やお茶の葉、ワゴムや胡椒やアイスクリームや焼跡を、それぞれ24枚ずつ重ねた作品。

一枚一枚の写真は切り取られた時間であり、それを並べることにより、時間が過去から未来へとつながっているととらえることができる。あるいは、並べられた作品を横から見ることにより、一瞬一瞬は独立した時間であり、脳が勝手に記憶を並べただけであり、存在するのが今一瞬だけともとらえることができる。

この時間に対する表現は色々考えさせられることがあり、心底感動した。

それと、モノづくり大好き人間としては、榎忠氏の作品「RPM-1200」が好きだ。

旋盤で磨き上げられた無数のスクラップの機械部品で構成される造形物。増殖していく未来都市、あるいは生命の脈動を想像させる作品。

この作品とともに日本のモノづくりを応援したい。

小松誠氏のクランプルタンブラー

ふと立ち寄った銀座松屋で、目に留まったモノ。

それが、小松誠氏のクランプルラタンブラー。

MoMAのパーマネントコレクションにも選定されている“クランプル”シリーズは、偶然つくられる紙袋の折り目やシワの凹凸をガラスというマテリアルを使って表現した作品である。

ガラスでつくらタンブラーというと、規則性や安定した形状を思い浮かべるが、そこに不規則性や不安定さ偶然という面白みを加えた作品で一目で気に入り二つ購入。

ちなみに、お店の人いわくクランプルラタンブラーはもう10年以上のロングセラー商品。未だに人気があるそうだ。

時代を超えたデザイン、モノとはこのような作品をいうのだろう。

今日は、クランプルラタンブラーでアマレットの香りを楽しみながら、Frank Sinatraの「Songs for Young Lovers / Swing Easy!」を聴こう。

購入したい人はこちらのサイトで。METROCS

小松誠氏のオフィシャルサイトはこちらで。MAKOTO KOMATSU

デザインによる「EMPTINESS」の世界

なんとなく手にした本、原研哉さん著書「デザインのデザイン」。

そこで、無印良品の一枚のポスターと出会う。

コンセプトは「EMPTINESS（エンプティネス）」。

原さんの説明では”「からっぽの器」という意味で、コミュニケーションの際にこちらからメッセージを発信するのではなく、相手が持っているメッセージを受け止め、それを受け入れていくという考え方”だそうです。

それを表現するために完璧な地平線を目指し、南米ボリビアの「ウユニ」の塩湖へ。

そこには四国の半分ぐらいの面積のまったいらで真っ白な塩湖が。

そこで5日間の撮影の結果がポスターが出来上がった。

たった一枚のポスター。確かに写真には、ある瞬間が収められている。しかし、人の記憶にその映像が埋め込まれると永遠の時をえることができる。

後は、妄想をするタイミングで記憶に収められた地平線の景色を料理するだけである。

どこにも逃げ場のないこの地平線にどう向き合うかは自由である。

たぶんそれが「EMPTINESS」なのだろう。

私は、精神を溶け込ますキャンパスとしてこのポスターの映像を使いたいと思う。

本の中では、水のエリアの鏡面の地空も印象的だが、どこか夢のように美しすぎて大地のリアリティがない、と記述され「白い台地に雲ひとつない青空」のポスターしか掲載されていなかったが、実際は鏡面のポスターも存在しているみたいだ。

エントロピーの法則を補うもの

高校物理でエントロピーの法則を学んでから、宇宙を支配する絶対的法則として捉えていた。
秩序から混沌へ、その流れは一方通行で不可逆。
それが、息としいける物を支配しているのだと考えていた。

が、最近読んだ「禅的生活」でその考えは脆くも崩れ去った。

混沌からの秩序への流れが存在する、そうした考えを提唱した人がいたのだ。
プリコジン、散逸構造論でノーベル賞をとった大先生。（勉強不足で恥ずかしい限りです。。。）
プリコジンは、わずかな確立ながら、自然現象のなかにはエントロピーの増大（無秩序率の拡大）に逆らって再結晶化（秩序化）する分子運動もあるのではないかと考えた。
そしてその可能性を「ゆらぎ」と定義した。

プリコジンについては今後勉強するが、「ゆらぎ」を内包した世界。
それが現実的な世界ということなのだろう。

ルネ・マグリットの世界感

シカゴ美術館の続き。

ルネ・マグリットの作品は何品か展示されていたが、以前から気になっていた、「Time Transfixed」を紹介。

実際、ゆっくり眺めてみると暖炉に吸い込まれる汽車の煙、汽車の影、そして時計の指す時間が気になって仕方がなかった。

暖炉には発生した煙を屋外に出すために煙突とつながっている。（サンタクロースが進入する道である）だから、汽車から出ている煙が暖炉に吸い込まれるのは違和感がないのだが、暖炉からだいぶ飛び出した状態を考えると、煙がすべて吸い込まれるのには無理がある。（そもそも、汽車の存在に違和感を感じるかもしれないが）

また、汽車の影。なぜか、次元が違うのか汽車の影だけ角度が違う。だからいっそう汽車が引き立つ。影が汽車の存在を証明しているのだ。

そして、時計の指す時間。12時43分をさしていると思われる。個人的には12時34分にして、12:34！！だと気持ちがいいのだが、12:43なのである。なんともいえない時間である。

このように、正解の無いコトを考えるのは面白い。（ほんとは正解があるのかもしれないが）

これが本当の自由なのだろう。自らに由る（由来する）自由がそこにあるのだ。

ちなみに、ルネ・マグリットの作品は他に、

「Empire of light」と「The Great Family」が大好きです。

イブ・タンギーの世界

シカゴといえば、シアーズタワーではなくシカゴ美術館。
ということで、シカゴに訪れたタイミングでシカゴ美術館を訪問。素晴らし作品の数々と出会った。

まずは、イブ・タンギーの作品紹介（Untitled,1940）。

彼の作品は無条件に好きだ。

個人的な感覚（解釈）だが、彼が描く絵画には時間の流れが感じられない。

荒涼とした大地か砂漠かよくわからない空間に、無機物か有機物だか得体の知れないものが存在し、それと、何を暗示しているかわからない直線が存在している。

その世界を見ているのが心地いいのだ。

自分の頭の中にある知識と経験という記憶をイブ・タンギーの描いたキャンバスに重ねるのはとっても 刺激的である。

なんだが、自分の脳の中に新たな世界が作り出されていく感じだ。

今回の出会いでは、作品の中の直線がとても気になった。

なぜかというと、飛行機に乗っているときにアメリカの大地を見ると、道路、建物など人工的なものには直線が存在するが、河川、大地など自然的なものは曲線しか見当たらないのが気になった。雲の上から見ると、人間が地球に、直線的な落書や、いたずらをしているように見える。

もし違う生物が地球を支配したらどうなるだろう？直線は消え去るのだろうか？そんなことを考えていたため、"直線＝人間活動の象徴"に思え、直線に敏感になっていたのだ。

（ちなみに、鉛筆で風景画を描く時、建物などの人工物を描く時、直線を利用することが一般的）

今回は、絵の中の直線に人工的なにおいを感じた。

これは超現実における人間の活動軌跡なのではないだろうか？

そんなことを考えながらシュルレアリスティックな世界に思いを巡らせた。

Fortune Cookie

チャイニーズレストランで料理がすべて終わった後に出されるものに、
中に占いの紙切れが入っているお菓子「Fortune Cookie」がある。

この前、その紙切れに
More art in your life at this time will help you feel better.
と書かれていた。

素敵な言葉との出会いでした。

DEVIL'S ROPE MUSEUM

Route66の道中、世界で唯一存在する有刺鉄線のミュージアム、「DEVIL'S ROPE MUSEUM」を訪問。

有刺鉄線というと刑務所や休遊地を囲う鉄線で、誰しも小さい頃に痛い思いをして、ダークなイメージを持っている気がする。

でも、実際はアメリカで放牧していた牛や馬を管理するために発明されたもの。

（その結果、カウボーイはその職を失ってしまったのだが。。。）

そんな歴史を紐解きながら有刺鉄線を眺めると、新しい魅力が迫ってくる。

形状も豊富に存在し、並べてみると芸術的オブジェクトだ。（約2,000種類も異なる形状が存在）

生物に対して威圧するその存在感は、形状ごとに異なったオーラを発している。

仕事に失敗して一人になりたいときに放つ"ほっといてくれオーラ"と、なにかに集中したいときに放つ"じゃまをしないでくれオーラ"とでは、有刺鉄線の形状で表現する場合、どれになるのだろう？

そんな考えに耽れる場所でした。

ちなみに、「DEVIL'S ROPE MUSEUM」では有刺鉄線の標本が購入可能。

DesperadoとRoute66

今年の夏はシカゴからロサンゼルスまでRoute66をドライブした。
走行距離、約4500km。（途中グランドキャニオンに寄り道をしたが。。。）

なぜ、Route66をドライブすることになったのか、
それは、スカパーで放映されたROUTE66-栄光と哀しみのマザーロード-[全13回]に偶然（必然？）出会ったから。

そして、その番組のオープニングテーマが、The Eaglesの「Desperado」。

～何もない荒涼とした大地に　一本の道が走る
駅馬車が駆けた荒野を　やがてT型フォードが行く
華やかなりし　モータリゼーション
西へ　人々は大いなる移動を始める
砂漠の中に 給油所ができ　モーテルが建ち　ダイナーがオープンする
教会よりも先にドラックストア生まれ　町となっていく
誰の顔にも笑顔があった時代～
とのナレーションの後ろに「Desperado」がかかっていた。

今回の旅のテーマソングは「Desperado」。
「無法者」あるいは「ならず者」と訳されるDesperadoには、時代に流されず己が道に進んだ時代のはみ出し物の姿が浮かぶ。
それを追い求めてみよう。そう思いハンドルを握る。

そして、たどり着いた地、最西の地はサンタモニカ。
今は有名な観光地になっているため、世界中から人々が集う。
観光地のため明るく、華やいだ雰囲気だ。
はるばるシカゴから車を飛ばしてきた人などいない。
1人だけ醸し出す空気が浮いている気がした。

なんとなく歩いた、サンタモニカピアの桟橋。
最先端のところまで歩いていくと、突然あの曲が聞こえてきた。
そう、「Desperado」 。

たまたま、ストリートパフォーマンスの人が演奏し始めたのだ。
なんという、偶然だろう。
身震いがした。

久々に心の底から震えた瞬間だった。
たぶんあの瞬間は、一生忘れないだろう。

そう、時代に逆らって己が道を行く、「Desperado」を自分の中に見つけた瞬間は。

Two Majesties

ミルウォーキー美術館からもう1作品紹介。

Jean-Léon Gérôme 氏の「Two Majesties」

私がロマンチストであることがばれてしまうかもしれないが、、、（ちなみに男は皆、ロマンチストだと思うが）、

地平線まで見渡せる壮大な自然の中、沈み行く夕日を見つめている一匹のライオン。百獣の王が夕日に向かって何を思うのか、そんなことを創造すると楽しくなる作品です。

きっと、今までの出来事を振り返り、そして、これから進むべき道について自然に問いかけているのではないだろうか。

自然と向き合うと、どんな存在も小さく映る。そんな世界で自分を見つめなおしてみたいものです。

ちなみに、ライオンの凛々しいアップも追加。

ピサロが描く自然

仕事でアメリカのミルウォーキーにきているので、

週末を利用してミルウォーキー美術館を訪問。

訪れてみて、建物が余りにも近代的かつ洗練されていて驚いた。

外壁も、内壁も白一色。張り巡らされたガラスから外光が入り込み、いるだけで神経が研ぎ澄まされていく気がした。

今行われているエキシビションはピサロ展。

正直、個人的には印象派はあまり好みではないが、なんとなく白い壁に飾られたピサロの絵に囲まれたい気分になり中へ。

ピサロはモネ、ルノワールなどと共にフランス郊外の風景画を多く描いた画家。

今回の展示は、場所とテーマに分けて展示されていた。

展示されている絵画を一枚一枚見ている中で印象に残ったのは"ピサロの雲の描き方"。

特に気に入ったのこ、この2作品。
左：Jallais Hill, Pontoise. 1867

右：Strollers on a Country Road, La Varenne-Saint-Hilaire .1864

近くで見ても、今にも動き出しそうな自然の息遣いが感じられた。

今は同じ場所はどうなっているのか？

もし同じ場所で、のどかな風景と流れ行く雲が見られたら素敵だな、そんなことを切に願いたくなる作品でした。

円周率の音楽

これは芸術だ。

0から9の数字それぞれを音符と見立て、円周率を演奏するサイトがある。

・ピアノソロバージョン
・ピアノ、バス、フルートバージョン

他にも色々刺激ある情報があるので、インスピレーションが必要な時にどうぞ。
「primarily ART STUFF」